Back
Open Call Preziosa Young 2017 skyscraper.

Suite on David Watkins.

Article  /  Critical Thinking
Published: 26.01.2006
Suite on David Watkins..
Author:
Mònica Gaspar

Intro
(...)
in his work he rehearses every possible variation, uniting chance and calculation, intuition and method, all as if it were musical improvisation.
(...)
Je n’ai jamais encore enregistré un disque dont je sois pleinement
satisfait mais, bien plus, je n’ai encore jamais joué exactement comme je désirerais le faire.

Thelonious Monk, interview in Jazz Magazine, 1963


I’ve never yet made a record that satisfies me completely. But then I’ve never yet played exactly as I’d like to either.

Nothing can be further from such a discouraging statement: that constant challenge to create. The search for perfect composition and a grand passion for music were actually the greatest motivations for Thelonious Monk, pianist and composer. Rejuvenating jazz in the ‘50’s, he became famous for his own personal improvisational style, which was both sober and sensual, with daring dissonances and an innovating use of silence.

In the same way that silence is one more element in Monk’s particular and sonorous architecture, so is extreme formal purification a way of aspiring to the essential in David Watkins’ jewellery. Since the 1970’s, Watkins has consolidated himself as one of the most important reformers of jewellery. Through his three-way activities of artist; head of the goldsmithing, silversmithing, metalwork and jewellery department at London’s Royal College of Art; and author of books and texts on contemporary jewellery, he has become a key player in that international trend which conceives the ornament as a stimulating field for both plastic and conceptual investigation. Watkins declares himself to be a disatisfied enthusiast, just as does Monk, one of his preferred composers. So in his work he rehearses every possible variation, uniting chance and calculation, intuition and method, all as if it were musical improvisation.

The greater part of Watkins’ work turns, almost literally, on the geometrical shape of the circle. His unmistakable pieces to wear round the neck, which have characterised his work since the schuster-nicole-schuster-nicole-beginning-2016-2016 of the 1980’s, celebrate this mythical and perfect shape in numerous combinations, sometimes circling the neck as if in orbit, trailing through space.Despite their rigid nature, these pieces rest harmoniously on the shoulders. With a solemn and ceremonial air they evoke for us those rounded breast-plates decorated with glass beads of the Masai, or those antique gorgets that were so typical of 16th century European apparel. While these sculptural objects merely insinuate their potential to become ornaments, we also observe that the artist specifially avoids using the word ‘necklace’ in order to indicate their independence. These artefacts affirm their autonomy defiantly, through the absence of any fastenings either within themselves or to the body. At the same time they seduce us by the immediacy with which we are able to appropriate them once passed over our heads. We are invited then to make the last choice when Watkins reveals the secret life of pieces which are ambivalent by nature.

The Torus series, with its archaic resonance, presents haughty ornaments for the neck: metallic or acrylic discs whose radical simplicity evoke the cold beauty of a machine. Nevertheless, some of them do exhibit on their overall surface a pattern inspired by nature - whether from leaves or drops of water - that bestows a unusual decorative quality. The use of pattern could apparently seem against Watkins’ principles, given his close alliance to the Minimalist tradition. However, such a dilemma is resolved by resorting to webs and fretworks, which are at once decorative and yet inherent to the very structure of the pieces. We see a will to incorporate some kind of warmth. An emotion which softens their otherwise formal austerity. Needless to say, Watkins’ basic concept is that of understanding ornamentation as symbol rather than decoration. The leaves or waterdrops are therefore abstractions of nature, iconic elements which configure the inherently symbolic language of jewellery. We then discover that these works go beyond the materialisation of formal concerns, by way of a technological aesthetic based on geometry.

This unadorned style, with its technical rigour and the challenge to be expressed in the strictest formal simplicity, all leads towards a highly intellectualized kind of jewellery, which is at once both romantic and idealistic, aspiring to intemporality and universality.

Again, the circle, inexhaustable leitmotiv, sets the rythmn in the Wheel Pin series, in a whole show of Watkins’ fertile artistic personality. The circle as a disc symbolises the sun, the heavens and the cosmos in general, complete with connotations of immobility and plenitude. The circle as a wheel suggests dynamism, the sun’s celestial chariot, the passage of time... Both of these images interact and fuse as one, in order to provide the starting point for his recent work, which mainly comprises of brooches. The brooches differ from the bracelets, which go over one’s arm, or the neckpieces that go over the head, in that the brooch possesses an impenetrable frontality, a distance which wraps it, in relation to the body, in a sacred aureole. A theme evolves around the serene, radial structure of these pieces - a vibrant combination of cut-out silhouettes, waves, lines, even the human figure. Whether from the Leaf Pins or the Encounters, from each new variation emanates simplicity’s magnificence, as in the rose-windows found in a cathedral. These booches fulfill a role similar to those hypnotic and artful oriental drawings which invite contemplation and meditation by way of an aesthetic pleasure, just as a delicate mandala of the finest gold structure might do. Sometimes the pieces have a specific title such as “The Heart of it” or “The Entertainers” which alters and intrigues our perception, perhaps even suggesting some background music, as in the brooch “Königin der Nacht”, where a character in Mozart’s “The Magic Flute” is evoked. The association between titles and abstract composition is somewhat enigmatic, as if to suggest sounds through images. In order to make sure that his music was appreciated in a more authentic, spontaneous way, stripped bare of prejudice, Erik Satie inserted unusual comments into his scores so that the interpreter’s ego would be thrown off course : “ like a nightingale with toothache”, “lost”, “ while one washes one hand “...We can therefore appreciate a certain irony, a combination of musical, literary and visual references, as well as a highly stimulating eclecticism which Watkins has also applied in his trajectory as musician, sculptor and goldsmith.

Parallel to the investigations made in the Wheel Pin series, new works have appeared which break the static harmony of the brooches, releasing the latent movement lodged there. The series of neckpieces called ‘Orbits’ map the path of gestural outlines, along with other elements, which in turn expand and become superimposed in perfect rotation. It’s not difficult to imagine a voyage to the sun or movements made by the planets as references, when wearing such portable microcosms round one’s neck. Further to this, it’s also inevitable, given Watkins’ love of music, to find a poetic conception of the universe evoked, such as in the philosophy of past Pythagorans. According to Pythagoras’ theories, the existence of a “harmony between the spheres” was affirmed, whereby a sublime sound, quite imperceptible to the human ear, was provoked by movements within the planets. The Orbits series of neckpieces seem to capture that cosmic beauty which arises from numeric harmony. The will for precision, together with that already mentioned enthusiastic disatisfaction, drive Watkins beyond mere contentment at his own magisterial deployment of the goldsmith’s craft. By incorporating digital and other new technologies into the design and making process, he continues to be a pioneer, always showing himself to be eager to combine tradition and technical innovation. In Paul Valery’s “Eupalinos ou l’architecte”, one of the characters declares that the greatest freedom is born of maximum rigour. This wise affirmation is constantly exemplified by Watkins. Eupalinos classifies buildings into three categories: first, the mute, that is those totally lacking in interest; second, those that speak, possessing a ‘plastic’ eloquence and showing a reciprocation between form and function. The final category is for those that sing, and is the most elevated. These possess the gift of grace. If Watkins were an architect, his buildings would undoubtedly sing, so let us therefore enjoy his music.




© Mònica Gaspar Mallol, Barcelona, September 2003.

Remarks

Foreword catalogue David Watkins: Encounters. Texts by Barbara Cartlidge, Mònica Gaspar, David Watkins. Barcelona: Sd-edicions-Hipòtesi joies, 2004.

Translation: Anne Michie

Text in Spanish

Je n’ai jamais encore enregistré un disque dont je sois pleinement
satisfait mais, bien plus, je n’ai encore jamais joué exactement comme je désirerais le faire.

Thelonious Monk, interview in Jazz Magazine, 1963


Todavía no he grabado un disco del cual esté plenamente satisfecho pero, es más, todavía no he tocado nunca exactamente como desearía hacerlo.

Nada más alejado de una constatación desalentadora: el reto constante de la creación, la búsqueda de la composición perfecta y la gran pasión por la música fueron las mayores motivaciones del pianista y compositor Thelonious Monk. Renovador del jazz en los años cincuenta, se hizo famoso por su personal estilo en la improvisación, sobrio y sensual a la vez, de atrevidas disonancias, y con un innovador uso del silencio. Del mismo modo que el silencio es un elemento más en las particulares arquitecturas sonoras de Monk, en la joyería de David Watkins la extrema depuración formal es también un modo de aspirar a lo esencial. Desde los años 60, junto a su esposa Wendy Ramshaw, Watkins se ha consolidado como uno de los más importantes renovadores de la joyería en el Reino Unido.

Su triple actividad como artista, como jefe del departamento de joyería del Royal College of Art de Londres y como autor de diversos libros sobre joyería contemporánea, le convierte en personaje clave de esta tendencia internacional que concibe el ornamento como un estimulante campo de investigación plástica y conceptual. Como Monk, uno de sus compositores preferidos, Watkins también se declara un entusiasta insatisfecho, y en su obra ensaya todas las variaciones posibles, uniendo cálculo y azar, intuición y método, como en una improvisación musical.

La mayor parte de la obra de Watkins gira, y nunca mejor dicho, alrededor de la forma geométrica del círculo. Sus inconfundibles piezas para el cuello, que le caracterizan desde principios de los 80, celebran a través de múltiples combinaciones esta forma mítica, perfecta, que rodea el cuello como una órbita trazada en el espacio. A pesar del carácter rígido, las piezas se apoyan armoniosamente sobre los hombros, con un aire solemne, ceremonial, evocando desde los pectorales redondos decorados con cuentas de vidrio de los Masai a las antiguas gorgueras, características de la indumentaria europea del siglo XVI. Observamos como el artista evita expresamente la palabra “collar” para señalar la independencia de unos objetos esculturales, los cuales sólo insinúan su potencialidad de convertirse en ornamento. Desafiantes, estos artefactos afirman su autonomía a través de la ausencia de cierres y otros sistemas de fijación al cuerpo o al vestido, pero al mismo tiempo, nos seducen por la inmediatez con la que podemos apropiarnos de ello, simplemente pasándolos por la cabeza. Así, Watkins desvela la vida secreta de unas obras de naturaleza ambivalente, para invitarnos a tomar la última decisión.

La serie Torus, de resonancias arcaicas, presenta soberbios ornamentos para el cuello, discos metálicos cuya radical simplicidad evoca la belleza fría de las máquinas. Sin embargo, algunos de ellos muestran en la totalidad de su superficie un pattern de inspiración natural, como hojas o gotas de agua, que les otorga un inusitado carácter decorativo. La utilización de patterns es algo que aparentemente podría ir en contra los principios de la obra de Watkins, afín a la tradición Minimal. Sin embargo, el dilema se resuelve, recurriendo a calados y tramas que son a la vez decoración y estructura inherente de las piezas. Observamos la voluntad de incorporar cierta calidez, una emotividad que suaviza la austeridad formal que le caracteriza. Cabe añadir que el concepto fundamental en Watkins es no entender la ornamentación como decoración sino como símbolo. Así una gota o una hoja son abstracciones de la naturaleza, iconos elementales que configuran el inherente lenguaje simbólico de la joyería. Descubrimos, pues, que la obras van más allá de la materialización de preocupaciones formales, a través de una estética tecnológica basada en la geometría. El estilo escueto, el rigor técnico y el reto de expresarse en la más estricta simplicidad formal, conducen a un tipo de joyería altamente intelectualizada, pero a la vez romántica e idealista, aspirando a la intemporalidad y a la universalidad.

De nuevo el círculo, leitmotiv inagotable, determinará las cadencias de las Wheel pin series, toda una demostración de la fértil personalidad artística de Watkins. El círculo como disco simboliza el sol, el cielo y el cosmos en general, con una connotación estática, de plenitud. El círculo como rueda, sugiere dinamismo, el carro celestial del sol, el paso del tiempo... Ambas imágenes interactúan y se funden en una sola para establecer el punto de partida de la obra reciente, formada mayoritariamente por broches. A diferencia de los brazaletes, que son atravesados por el brazo o las neckpieces, que pasan por la cabeza, el broche posee una frontalidad impenetrable, una distancia respecto al cuerpo que lo envuelve en una aureola sagrada. Sobre las serenas estructuras radiales de estas piezas se desarrolla un tema, una combinación vibrante de siluetas recortadas, ondas, líneas, incluso la figura humana. Desde las Leafpins hasta las Encounters, cada nueva variación emana la magnificencia de la simplicidad, como los rosetones de las catedrales. Igual que delicados mandalas de finísimas estructuras de oro, estos broches cumplen una función similar a los hipnóticos y preciosistas diagramas orientales, invitando a la contemplación y meditación a través del goce estético. A veces, las piezas tienen un título específico, como “The Heart of it” o “The dancers” que varía nuestra percepción y nos intriga, incluso sugieren una música de fondo, como el broche “Königin der Nacht”, evocando un personaje de “La flauta mágica” de Mozart. Asociar títulos a composiciones abstractas tiene algo de enigmático, como evocar imágenes a través de sonidos. Erik Satie, para conseguir que su música fuera apreciada de un modo más auténtico, espontáneo, despojado de prejuicios, insertaba insólitos comentarios en las partituras para “despistar el ego” del intérprete: “como un ruiseñor con dolor de muelas”, “perdido”, “mientras te lavas una mano”... Apreciamos en este método, no exento de ironía, una combinación de música, literatura y referencias visuales, un eclecticismo muy estimulante que Watkins también ha practicado en su trayectoria como músico, escultor y orfebre.

Paralelamente a la investigación de las Wheelpin series han aparecido nuevos trabajos que rompen con la armonía estática de los broches para desatar el movimiento latente que estos albergaban. La serie de neckpieces Orbits capta las trayectorias de trazos gestuales y otros elementos que se expanden y sobreponen en perfecta rotación. Es fácil imaginar el movimiento de los planetas o el viaje del sol, como referentes de este microcosmos portátil alrededor de nuestro cuello. Es inevitable también, dado el amor por la música de Watkins, evocar la poética concepción del universo en la filosofía de los antiguos pitagóricos. En sus teorías, afirmaban la existencia de la “Armonía de las esferas”, un sonido sublime, imperceptible para el oído humano, provocado por el movimiento de los planetas. Las neckpieces de la serie Orbits parecen capturar esta belleza cósmica surgida de armonías numéricas La voluntad de exactitud, junto a la mencionada insatisfacción entusiasta empujan a Watkins a no contentarse con dominar magistralmente el oficio artesanal del orfebre. Pionero en incorporar la tecnología digital para diseñar sus piezas, siempre se ha mostrado partidario de combinar tradición e innovación técnica. En la breve narración Eupalinos o el arquitecto de Paul Valéry, uno de los personajes exclama que la mayor libertad nace del mayor rigor, una sabia afirmación que Watkins ejemplifica constantemente. Eupalinos clasifica los edificios en tres categorías: los mudos, es decir, los que carecen totalmente de interés; los que hablan, que son los que poseen elocuencia plástica, es decir, muestran una correspondencia entre forma y función; finalmente los que cantan, la categoría más elevada, los que poseen el don de la gracia. Si Watkins fuera arquitecto proyectaría indudablemente edificios que cantan. Disfrutemos, pues, de su música.



© Mònica Gaspar Mallol, Barcelona, Septiembre 2003.
.

© By the author. Read Klimt02.net Copyright.
.

© By the author. Read Klimt02.net Copyright.
.

© By the author. Read Klimt02.net Copyright.
.

© By the author. Read Klimt02.net Copyright.
.

© By the author. Read Klimt02.net Copyright.
.

© By the author. Read Klimt02.net Copyright.
Appreciate APPRECIATE