Tiny Theatres of Still Life in Contemporary Jewellery. Spotlight Artworks by Klimt02

C’est quand même fou quand on y pense, la nature morte a longtemps été reléguée au plus bas de la hiérarchie des genres, derrière l’allégorie, la peinture historique, le portrait ou le paysage. Comme si représenter des objets inanimés ne racontait pas la vie! Et pourtant, aujourd’hui, ce genre nous fascine par la puissance de ses compositions et la profondeur qu’il insuffle aux choses les plus ordinaires.
La vie immobile — still life en anglais, Stilleben en allemand —, c’est la représentation de ces « choses» , un terme à la fois vague et suspect, qui semble si flottant. Et pourtant, ce sont précisément ces choses, banales ou précieuses, qui deviennent les héroïnes silencieuses de ce genre pictural.
Loin d’être neutres, elles envahissent nos vies, trahissent nos goûts, nos peurs et nos espoirs. Témoins silencieux de notre quotidien et de notre époque, ces objets deviennent le sujet principal: sans personne pour les utiliser, ils s’imposent seuls, par leur matérialité.

C’est vrai que lorsqu’on évoque la nature morte, on pense immédiatement aux différentes strates d’interprétation qu’elle convoque, comme la symbolique des objets, ou les memento mori si présents dans les compositions classiques. Mais ici, nous allons nous concentrer sur celle-ci comme peinture d’objets, qui propose une lecture plus prosaïque: la nature morte comme pensée matérielle. Car peindre des objets, c’est dire quelque chose de notre rapport au monde, de notre corps absent mais suggéré, de nos désirs et de notre relation à la matière.

Dans ce langage visuel où l’artisanat est célébré — celui qui façonne les objets comme celui qui les représente — la nature morte invite à un regard attentif sur l’objet, qui se révèle porteur de sens et d’émotion. Saisi par l’artiste, le plus plat, le plus insipide des objets peut dévoiler une profondeur insoupçonnée. Matière et esprit sont les composants de base de ces natures immobiles. Comme le bijou contemporain que l’on souhaite promouvoir sur Klimt02 finally.

Dans ce Spotlight Artworks, nous vous invitons à découvrir une sélection de pièces dont le travail évoque, s’inspire et convoque la nature morte telle que nous la connaissons en tant que genre pictural.



Si la peinture flamande du XVIIᵉ siècle marque l’essor de la nature morte comme genre autonome, Giuseppe Arcimboldo, dès le XVIᵉ siècle, aurait bien pu influencer la trend avec ses portraits surréalistes composés de fruits, légumes, fleurs ou livres. Ses têtes composées sont avant tout des natures mortes anthropomorphes qui brouillent la frontière entre l’inanimé et le vivant, l’illusion et le réel, tout en révélant une observation minutieuse de la nature.

Créateurs de rébus sensibles, les portraits d’Arcimboldo donnent une autre vie à ces éléments isolés qui, une fois accumulés et composés, rappellent The Demiurge (Self-portrait David Bielander) de Simon et David Bielander, où l’amas d’objets, ses propres créations, d’ailleurs, forme et recompose le visage de l’artiste qui transforme les objets du quotidien en bijoux, leur insufflant une nouvelle vie, une manière de recréer et de redonner souffle à une nature figée.



Simon and David Bielander. Photograph: Demiurge (Self-portrait David Bielander), 2013.


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La nature morte c’est un ensemble d’éléments minutieusement composés. L’artiste Namkyung Lee place au centre de son travail des formes créés par la main humaine, objets et architectures, isolés du corps mais chargés de présence. Ses pièces représentent souvent des compositions de vases, ces contenants fragiles et transitoires qui renferment une ou plusieurs fleurs figées. Capturés dans l’immobilité de la photographie, ces objets deviennent les protagonistes silencieux de mises en scène précises. Comme dans une nature morte, les bijoux de Namkyung Lee racontent une histoire sans personnage, uniquement par la matière, la couleur, l’équilibre et une certaine symétrie.
En transformant des formes familières en compositions poétiques, elle rejoint l’esprit des peintures du XVIIᵉ siècle, qui faisaient des objets des symboles de vanité, de passage du temps, mais aussi de célébration du monde tangible.


Et d’ailleurs, il est fascinant de constater combien, dans ce genre pictural, les contenants transparents occupent une place singulière. Verres, carafes, coupes: ces objets sont souvent représentés en équilibre précaire, comme prêts à se briser. Ce risque devient presque le prétexte idéal pour l’exercice virtuose du peintre, qui s’attache à capturer la transparence, les reflets, la lumière et la déformation de l’arrière-plan.

Ces objets dévoilent leur intérieur comme sur une table de dissection: le verre est écorché pour en révéler l’âme. Les artistes multiplient les angles, choisissent des points de vue inattendus, comme si les verres eux-mêmes devenaient les yeux du peintre, interrogeant la complexité de la perception et notre volonté de comprendre la réalité à travers la matière.



Namkyung Lee. Brooch: Still Life. Images for Recording of Things Around Me. 14th Bottle, 2023. Sterling silver, photograph printed on acrylic, pearl. From series: Image Archive.


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On pense aussi à Giorgio Morandi, qui organisait bouteilles et vases dans des compositions presque méditatives, explorant leurs formes et les subtiles variations de lumière. Miki Asai, à la manière du peintre italien, épure aussi la composition jusqu’à frôler l’abstraction. Le support et le fond fusionnent, semblant engloutir les objets. Seuls leurs contours permettent de reconnaitre la nature des objets et les ramènent au premier plan. Il émane dans les pièces de Miki, une impression de calme, un ensemble harmonieux de couleurs, de formes et de volumes obéissant aux lois de l’unité et la beauté des accords.
Miki Asai. Brooch: Still Life, 2019. Wood, Japanese paper, lacquer, eggshell, mineral pigment, silver, stainless steel.


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Le traitement du fond dans la nature morte est particulier. Il semble fuir pour recentrer l’attention sur l’objet, imposant une proximité et forçant le spectateur à lui accorder un regard qu’il ne lui porterait pas dans la vie quotidienne.

Tel un peintre des XVIIᵉ et XVIIIᵉ siècles, Gésine Hackenberg, dans sa série Still-lives, découpe et dissèque de la verrerie vintage avant de la recomposer en miniatures portables.
L’artiste s’inspire de la nature morte classique pour en proposer une réinterprétation, transformant des objets banals et apparemment sans intérêt en bijoux précieux. Le corps du porteur devient littéralement la toile de ces natures mortes contemporaines.

Les objets du quotidien, souvent chargés d’une valeur sentimentale, deviennent chez elle des portraits silencieux de celles et ceux qui les ont utilisés. L’artiste explore comment ces objets, à la fois ordinaires et essentiels, traduisent nos histoires et nos émotions, et comment le bijou peut incarner cette relation intime.
Gésine Hackenberg. Brooch: Pink Balancing Glass, 2015. Glass by Theresienthal, silver.


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Et puis, il y a cette idée de rébus évoquée plus tôt. Des éléments qui, une fois assemblés, forment un récit pour qui prend le temps de le lire. Formes, lignes et matériaux se réunissent sans hiérarchie pour composer une histoire à la fois conceptuelle et sensible.

Iris Bodemer, selon ma sensibilité personnelle, est l’artiste qui saisit le mieux ce potentiel. Elle organise ses pièces comme des entités sculpturales où chaque objet, chaque intervalle et chaque équilibre porte une émotion subtile et précise. Son travail est sans artifices, avec pour seule intention de donner à voir.

Dans une installation conçue comme un journal de pensées et d’expériences, des broches et autres éléments reposent sur des panneaux de bois, brouillant les frontières entre bijou, peinture et narration. Chaque panneau ressemble à une page de livre pour ceux qui prennent le temps de la lire, invitant le spectateur à explorer et à relier les fragments — un peu comme on assemble une nature morte pour en dévoiler les significations cachées.

Malgré leur immobilité, ces objets semblent animés d’une présence silencieuse, murmurant des histoires d’usages passés et de souvenirs. L’approche gestuelle et intuitive d'Iris Bodemer évite la symétrie stricte tout en préservant l’équilibre et ce centre si caractéristiques de la nature morte. L’espace vide a autant de poids que la forme. Chaque panneau portant une broche est associé à un second panneau avec un dessin, créant un dialogue entre l’objet et l’image. Lorsque la broche est portée, le panneau reste accroché au mur avec son espace vide, attendant silencieusement le retour du bijou. Le bijou se détache de son fond, attirant l’attention du spectateur et affirmant sa propre existence.


Vue d’ensemble de l’installation d’Iris Bodemer, broches sur panneau, dessins. 114 x 165 cm, panneaux : 24 x 28 cm.


Iris Bodemer. Brooch: Untitled, 2006. Onyx, amber, natural fibre, wool.

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