Jewellery Atlas: Tracing Paths Through Munich Schmuck Fair 2025

Je ne sais pas pour vous, mais j’ai eu l’impression de faire une course d’orientation pour tenter d’assister à un maximum d'événements. En vain. Autant vous dire que sur lales 85 proposés dans le programme, je n’ai pu en visiter qu’une vingtaine et me retrouve un chouille frustrée de ne pas avoir le don d’ubiquité. La prochaine fois, faisons équipe. Venez, et on embauche un guide façon tour-opérateur spécial Munich Schmuck Fair in Munich. Cela nous évitera de nous perdre ou de faire demi-tour parce qu’une expo n’est ouverte qu’en semaine et l’autre uniquement le week-end. 

Commençons. Ma première exposition était Parallel Voice, où les artistes Miki Asai, Nicole Beck, Christine Graf et Takayoshi Terajima présentaient leurs pièces de façon intime, disposées sur des boîtes dans l’espace même de l’atelier du bijoutier. J'ai pu découvrir les still life de Miki Asai, ayant reçu une mention spéciale pour le LOEWE FOUNDATION Craft Prize 2024. Ses créations, semblables à des pièces de dînette, étaient, à ma surprise, petites et légères, comme des tableaux-objets à porter sur soi.

J’ai ensuite poursuivi vers l’exposition Out of the Box, où des boîtes de couture se déployaient sur des tables et  devenaient présentoirs pour chaque nom. L’image de l’artiste déployant son stand portable pour quelques jours à l'occasion de la Messe (lieu incontournable du bijou contemporain, dit-on, là où tout se passe, là où le collectionneur apparaît) m’a accompagnée tout au long de mon escapade munichoise. Cette présentation d’un travail, posée sur une table, se fait souvent dans un cadre trop étroit pour être pleinement comprise et assimilée, et finit par être dissociée du reste de l’espace environnant et de ses pièces voisines.

En fait, j’ai vu tellement de choses, j’en ai vu peut-être même trop pour être honnête, et je n’ai pas envie de vous énumérer ce que j'ai fait, car cela risquerait d’être franchement ennuyeux. Alors, plutôt que de vous assommer avec une liste détaillée de mes visites, j’ai préféré mettre en avant quelques grandes lignes qui ont émergé au fil de cette Schmuck Fair Week: des projets et expositions qui ont retenu mon attention, enrichis de réflexions et impressions glanées pendant ces trois jours et au-delà.



L’omniprésence de la scène néo-zélandaise

On le sait, la scène artistique néo-zélandaise ne se limite pas à ses frontières. Des expositions comme WUNDERRÜMA (2014), IWA: New Zealand makers at Frame (2018) ou encore le projet HANDSHAKE (depuis 2011) ont déjà mis en avant son effervescence créative. Mais cette année, la Nouvelle-Zélande a carrément marqué le terrain.

Le Munich Jewellery Paper de Current Obsession a invité Zoe Black et Victoria McAdam à rejoindre l’équipe éditoriale pour l’édition 2025, accompagnées de contributeurs invités qui ont mis en lumière la diversité créative néo-zélandaise à travers des interviews et des articles en lien avec les événements proposés au cours de la semaine.

Côté institutions, ObjectSpace Gallery était représentée par sa directrice Kim Paton, impliquée dans la rétrospective de Warwick Freeman. The National Gallery soutenait aussi ses artistes exposés dans Goodness, a Jewellery and Fashion Collaboration et A Hologram of a Diamond de Moniek Schrijer au Mineralogy Museum de Munich.

La Galerie Handwerk a présenté Familiar in the Foreign - Jewellery from the Southern Hemisphere, en collaboration avec l’Australian Design Centre et le Dowse Art Museum, célébrant la richesse de l’hémisphère sud. L’ambassadeur néo-zélandais H.E. Craig John Hawke était même de la partie. Pour couronner le tout, la KOHĀ Ceremony, accueillie par le Musée Fünf Kontinente et soutenue par Creative New Zealand, Objectspace et Current Obsession, a été activée par les artistes Neke Moa, Sofia Tekela-Smith et Stevei Houkāmau. Elle a ajouté une dimension performative au festival en explorant le concept de koha: l’échange et le lien entre l’ornement, son créateur et son porteur.

Avec le soutien d’institutions publiques et de la presse, la Nouvelle-Zélande ne s’est pas contentée de participer à Munich: elle a parsemé son talent, son énergie et, une fois de plus, consolidé sa légitimité sur la scène internationale.


La rétrospective de Warwick Freeman: Hook Hand Heart Star at the Pinakothek der Moderne

L’exposition dressait le portrait d’un territoire riche, d’un paysage culturel marqué par le colonialisme, se révélant à travers des bijoux qui, tels des objets glanés, formaient des rébus. La profondeur des symboles et leur pouvoir talismanique étaient traités avec évidence. Au spectateur de faire son propre travail de recherche contextuelle, avant ou après, si curiosité il y a. Il s’agissait avant tout de présenter le travail d’une vie, où tout est relié, soutenu par l’interaction des matériaux, des formes, des traditions et de leurs significations.
Et puis, cette phrase de Warwick, qui résonne: Que fait l’histoire, sinon nous montrer que tout est lié?



À l'intérieur de l'exposition Handwerk & Design

Cette année, Schmuck a mis en avant le travail de nombreux artistes qui n'avaient pas été présents lors des éditions précédentes, comme un élargissement des possibles. Ce qui m’a interpellée, c’est que cette sélection ne suivait pas une ligne directrice évidente, un statement fort qui aurait pu offrir une lecture plus affirmée de l’ensemble. Cependant, le choix de Jurgita Ludavičiené avait son intérêt: il offrait une vue d’ensemble du bijou contemporain, entre artistes émergents et figures établies, créant un panorama vaste, une mer d’objets, comme le souligne la curator.
Alors oui, on pourrait y voir un manque de narration claire, une absence de certitudes sur ce qu’est le bijou contemporain aujourd’hui. Mais après deux éditions marquées par les sélections orientées de Norman Weber et Caroline Broadhead, cette ouverture avait quelque chose de nécessaire, voire d'anthropologique.
Cela s’est également reflété dans l’attribution des Prix Herbert Hoffmann, décernés à Nikita Kavryzhkin, Jounghye Park et Eija Mustonen, trois artistes explorant des échelles variées, chacun ayant ses matériaux de prédilection et des approches contrastées.


Plus nombreuses que l’an dernier, les galeries se sont déplacées pour être présentes à Frame, gravitant autour de Schmuck et Talente. Parmi les habituées, on retrouvait Galerie Marzee (Pays-Bas), Galerie Rosemarie Jäger (Allemagne), Galerie Noel Guyomarc'h (Canada), Platina (Suède), Tinsel Gallery (Afrique du Sud) et Gallery O (Corée du Sud). Certaines participaient pour la première fois (du moins à ma connaissance), comme Objects Beautiful (Royaume-Uni), qui présentait des bijoux en cheveux, et Heidi Lowe Gallery (États-Unis), avec une large sélection de boucles d'oreilles. Galerie CEBRA (Allemagne) était au rendez-vous avec une sélection de ses designers, et la Gallery of Art in Legnica (Pologne) a également présenté une collection vaste et pertinente. The Closer (Chine) exposait une sélection d’artistes et organisait en parallèle Lin Lang. The Chinese Story of Jewelry Art, une collaboration académique initiée par la Central Academy of Fine Arts (CAFA), soutenue par le China National Art Fund à Galerie Shanghai. Enfin, Aria Gallery (Iran) revenait pour une seconde participation avec une sélection plus affinée.

Parmi les stands remarqués, JAC Jewellery Art Concept, association de onze artistes, marquait à nouveau sa constance. Comme chaque année, Astonish, le collectif d’anciennes étudiantes d’Idar-Oberstein, a encore brillé par l’implication de ses membres malgré le vol de 14 de ses pièces pendant la nuit. The Polska Traveller a aussi été victime de vol… Pas cool, rendez les pièces et l’argent, s’il vous plaît!

Il y avait aussi le stand de la Danner Foundation, reconnaissable à son jaune impérial, qui mettait en avant son rôle de soutien à l’artisanat d’art en Bavière et présentait les lauréats du Danner Prize. Au cœur du Hall B1, l'exposition transversale The Body Project, offrait une pause visuelle bienvenue, explorant le bijou contemporain à travers le prisme du corps.
 
Enfin, la présence d’Arnoldsche Art Publishers, avec son espace dédié aux livres et catalogues d’expositions, renforçait l’importance de la publication dans le domaine de la bijouterie contemporaine. À ses côtés, AJF (Art Jewelry Forum) animait des conférences sous le titre Jewelry that Makes You Think, abordant des thèmes variés comme l’innovation artistique, la représentation culturelle et le rôle des collectionneurs et créateurs.

Dans l’ensemble, l’événement de la Messe témoignait d’un professionnalisme indéniable, avec une offre variée d’artistes et de galeries. Le programme était si dense qu’on aurait pu y passer trois jours, avec un panel international qui renforçait la légitimité du marché du bijou contemporain. Reste à vérifier, toutefois, si la clientèle était au rendez-vous. La foire et ses exposants assumaient pleinement leur rôle: exposer, vendre et connecter, facilitant ainsi les transactions et les rencontres professionnelles.

Ah oui, et petit commentaire sur ce que j'ai vu quand même! Cette année, la couleur était de la partie, avec des teintes vives: rouge, jaune, orange, rose, tantôt pâles, tantôt flashy. J'ai noté le grand retour des gemmes taillées, rappelant ces joyaux de plastique.Les pierres étaient serties à l'aide de systèmes ingénieux ou de manière plus punk, suspendues à des fils, percées et pendues sur des chaînes. Les symboles pop étaient également présents, et des phrases percutantes s’affichaient comme des slogans politiques sur des pièces aux typologies variées.



Munich Schmuck Fair: un parcours à travers la ville

Fini le parc des expos, parlons maintenant de ce que j’ai retenu de mon parcours à travers Munich. Face au nombre d'expositions, les formats collectifs ont pris tout leur sens, offrant l’opportunité de découvrir plusieurs artistes en un seul lieu. Certaines se sont regroupées sous des thématiques contemporaines communes en résonance avec le contexte politique actuel. Parmi elles: Piece of Peace, Shining Despair, Chaos & Control et l'exposition virtuelle Lost in Migration.
Évidemment, qui dit accumulation de pièces dit parfois scénographie plus brouillonne, où la diversité des récits rend la lecture plus complexe. Mais après tout, n’est-ce pas aussi le principe d’un festival: refléter la création de l’année dans toute sa pluralité?

Certaines expos ont tiré leur épingle du jeu au cours de mon périple.
Pin Pin an an à Kobeia, portée par les artistes taïwanais An Chi Wang, I Ting Wang, Yu Chun Chen et Amal Yung Huei Chao, explorait la symbolique des amulettes, leur évolution et leur place dans la société taïwanaise. Ce qui la différenciait des autres, c’était sa ligne directrice claire: on découvrait d’abord un mur avec des amulettes traditionnelles et contemporaines accompagnées de leurs significations, puis on se retournait pour découvrir les interprétations des artistes dans le reste de la salle. Petit plus non négligeable, il y avait des livres à disposition! Des ouvrages sur l’histoire de ces objets et la culture taïwanaise, permettant d’approfondir le sujet et de prolonger le temps passé dans l’exposition.

The Plot Thickens de Benedikt Fischer et Rudy de Gruyl à The Tiger Room. Les pièces présentées, situées entre nature et culture, exploitaient des matériaux et des images évocatrices qui établissaient une connexion immédiate avec le spectateur. La scénographie dialoguait harmonieusement entre objets, photos, bijoux et un mur d'“expérimentations”, offrant ainsi une lecture à la fois plastique et conceptuelle. Cette approche convoquait l'ornement comme une forme d'engagement créatif accessible, un bon moyen de capter une audience différente de celle du bijou contemporain.

Nothing rhymes with Orange à l'Englischer Garten par Despo Sophocleous, Mari Iwamoto, Naama Bergman et Alexander Blank, présentait des pièces presque comme des artéfacts archéologiques. Les objets étaient exposés sous des cubes de verre, posés par-dessus ou à côté, comme découverts lors de fouilles et donnaient une impression de distance, comme un regard historique porté sur notre société actuelle.

Pour finir, j’ai été agréablement surprise par We paused before a house that seemed a swelling of the ground. Pour être honnête, les expositions-laboratoires, très en vogue en ce moment, me laissent souvent sceptique. Elles aboutissent généralement à des résultats déceptifs, où les pièces finales semblent presque anecdotiques. M’étant fiée au flyer promettant une interconnexion entre théorie et expérimentation, j’étais curieuse de voir ce que cela donnerait. Et bien l'exposition méritait le détour. Elle offrait la compréhension de la genèse de chaque pièce et de son cheminement créatif, avec un dialogue évident entre les pièces. Le bijou était placé dans un contexte plus large, explorant ses relations aux matériaux, à leur extraction (sable, brique) et à l'architecture, soulevant des questions sur la standardisation et la valeur des matériaux. Certaines recherches étaient encore en développement, mais toutes apportaient la justesse que je cherchais après ces deux jours de profusion de pièces parfois déstabilisante. Cette exposition était un bel exemple de la construction d’un projet, allant de la conceptualisation à la matérialisation, avec un va-et-vient constant entre résultat et intention, un dialogue équilibré entre théorie et pratique. D'ailleurs, les participantes de cette expo, Irma Földényi, Elise Hoebeke, Saskia Van der Gucht et Saskia van Es, font partie du corps enseignant de l’académie Saint Lucas d’Anvers.



Une vitrine internationale pour les écoles et les étudiants

Comme chaque année, le festival du bijou contemporain a acceuilli des expositions d’étudiants issus d’écoles et d’universités internationales.
Cela permet de mettre en valeur la diversité des projets développés dans chaque établissement, mais aussi d’offrir une visibilité aux artistes/designers en devenir. Mais aussi, cela permet de professionnaliser les étudiants en leur offrant un aperçu concret de ce qui peut les attendre après l’école, tout en leur enseignant comment organiser un projet curatorial.

Cette fois-ci, c'est le Département de Métal et Bijou de l’Université Kookmin Séoul qui a présenté ses étudiants lors de l’inauguration de l’exposition de Warwick Freeman, dans l’entrée du Design Museum, à la Pinakothek der Moderne. Les pièces volumineuses et sculpturales, étaient accompagnées des artistes, présents pour discuter de leurs projets.
Aussi, les étudiants diplômés du Department of Crafts de l’Université Nationale de Séoul avec Treasure Peninsula 2025, offrait un aperçu captivant de leur talent et de leur créativité et un professionalisme déconcertant. 
Parmi les écoles membres présentes à la foire Handwerk & Design et dans la ville, l’exposition Stand der Dinge des étudiants du département The New Craft Object Design de la Peter Behrens School of Arts / Düsseldorf University of Applied Sciences montrait des projets variés d’alumni et d’étudiants dans les disciplines du bijou et du design produit. Un catalogue accompagnait l'exposition, faisant la promotion du programme et de ses étudiants. 

L’Académie de Munich avec It’s the economy, stupid!, abordait les préoccupations des étudiants concernant les conditions de travail précaires des artistes. La scénographie était pensée pour rappeler l’urgence de défendre des rémunérations adéquates, afin d’améliorer la position des artistes dans la société, car, dépendant exclusivement de la monétisation de leur travail, ils vivent souvent avec un revenu juste au-dessus du seuil de pauvreté.




Alors, qu’est-ce que je retiens de cette édition? Honnêtement, je suis un peu perplexe. Il y avait de nombreuses intentions, ce qui fait l’essence même d’un festival. Mais alors, pourquoi ai-je cette impression de me plaindre? Parce qu’avec un programme aussi dense, il était quasiment impossible d'assister à même un tiers de ce qui était proposé.
J’ai privilégié les expositions, mais je regrette d'avoir manqué les talks et conférences. Ces moments sont importants pour comprendre l’histoire du bijou contemporain, explorer de nouvelles pistes, décrypter le marché actuel, et écouter des curateurs et des théoriciens... D’ailleurs, j’espère que ces échanges ont été enregistrés et qu’ils seront bientôt disponibles en ligne. Ce serait un gâchis de ne pas pouvoir en profiter.

Il y a eu un réel effort de la part des acteurs du marché cette année, mais je ne suis pas sûre que l’audience ait su suivre. La dispersion des événements a pu nuire à l’engouement. Et puis, j’ai eu aussi l’impression, via les réseaux sociaux (oui, je sais, les réseaux sociaux ce n’est pas la vie), que les figures influentes du milieu se retrouvaient souvent aux mêmes endroits. Par affinité, habitude ou par intérêt, peut-être, ce qui a semblé profiter aux noms connus et a pu desservir les artistes émergents.

La durée du festival pourrait être prolongée pour mieux canaliser l’afflux de visiteurs et permettre de mieux coordonner les événements, en évitant ce chevauchement si visible cette année. Enfin, je crois qu’il faut comprendre qu’il y a une dualité à Munich chaque année, et l’assimiler ainsi permet d’éviter la déception. D’un côté, il y a l’aspect business, la vente de pièces sur des stands, indispensable pour les participants et qui assurera leur présence l’année suivante. De l’autre, il y a l’attente du public, avide de propositions nouvelles, audacieuses et perturbatrices, venant repenser les codes du bijou contemporain. Il faudrait trouver un équilibre entre ces deux aspects, et je n’ai aucune idée sur le comment le faire. 

Si vous êtes encore là, je vous remercie d'avoir pris ce temps pour me lire et je vous dis à l'année prochaine... peut-être!